[A descobrir] Majid Majidi

 

 

Juntamente com Abbas Kiarostami e Mohsen Makhmalbaf, Majid Majidi forma uma trindade de realizadores de destaque que surgiram no Irão na década de 90.

O trabalho destes extraordinários cineastas permitiram o estabelecimento de uma reputação de cinema de extrema qualidade na comunidade cinéfila para o cinema persa, ao mesmo tempo que mostrou ao mundo uma nova faceta gentil e muito mais humana da vida iraniana, contrapondo aquela visão usual promovida pelo Ocidente no período pós revolução islâmica.

Em simultâneo a obra de Majid utiliza tipicamente histórias sobre crianças e sobre famílias para de uma forma metafórica abordar temas políticos e sociais mais abrangentes e profundos que a comunidade artística no Irão tinha alguma dificuldade em abordar.

Majid estreia-se como realizador com um muito interessante “Baduk” em 1992 que logo criou alguma expectativa acerca do seu futuro.

Mas é em 1996 com o belo “The Father”, que ganhou inúmeros prémios em festivais por todo o mundo, trazendo-lhe uma reputação de cineasta sensível e perfeccionista ao mesmo tempo que abria as portas do Ocidente para a cinematografia Iraniana.

No ano seguinte, realiza a sua obra prima “The Children of Heaven” , que chega a ser nomeado pela Academia para melhor filme estrangeiro, e recebe laudas recomendações em festivais de referência como o de Los Angeles, Montreal ou mesmo Veneza.

Para quem quiser descobri um pouco do extraordinário trabalho deste realizador iraniano, recomendo o referido “The Children of Heaven” e o meu preferido “The Color of Paradise”.

 

Filmografia :

• 2008
  The Song of Sparrows
• 2005
  The Weeping Willow
  
• 2003
  Paberahne ta Harat [doc]
     
  
• 2001
  Baran
• 1999
  The Color of Paradise
  
• 1997
  The Children of Heaven
  
  
• 1996
  The Father
  
• 1992
  Baduk
  
  

[Ouvir] Muse - Muscle Museum

 

Uma das poucas coisas de interesse que se passaram no Rock In Rio deste ano.

Simplesmente brilhantes.

 

[Ver] O Orfanato

 

 

Título Original:
"El Orfanato" (2008) [Spain]

Realização:

Juan Antonio Bayona

Actores:

Belen Rueda, Fernando Cayo, Geraldine Chaplin

Comentário

A forma única que Del Toro tem de olhar para o mundo fantasioso das crianças, demonstrada no maravilhoso “Labirinto do Fauno”, é algum que sempre gerou muita controvérsia, facilmente gerando ódios à mesma velocidade que gera admiração.

Este novo ensaio sobre esse mesmo mundo, agora com uma abordagem menos pesada e mais fundamentada numa pretensa realidade será com certeza mais um desses filmes, ou seja ame-se ou odeie-se.

Com a realização agora a cargo do espanhol Juan Antonio Bayona, o que impressiona mais neste trabalho é a capacidade de Bayona em gerar ambientes soturnos e inquietantes, recorrendo unicamente a subtis movimentos de câmara, a um trabalho de perfeição no jogo de luzes e acima de tudo num incutir de um ritmo narrativo que dispara os níveis de desconforto do espectador frame a frame, nada de CGI’s ou efeitos especiais esfusiantes e milionários.

Del Toro é um mestre no processo de criação de uma apoteose emocional e neste “The Orphanage” o seu dedo é clramente visivel na forma assombrosa como vamos sendo consumidos por essa crescente sensação de inquietação e de desconforto.

Este “The Orphanage” é um filme de atmosfera, de ambiente, é uma obra que vem provar que o género “Casa Assombrada” é um género que está bem de saúde e que ainda resulta quando em boas mãos.

Desta forma o espanhol Juan Antonio Bayona junta-se ao mexicano Guillermo del Toro e ao chileno Alejandro Amenábar no grupo de cineastas latinos com um talento muito peculiar e único para o macabro.

[4/5] Uma viagem inquietante e envolvente.

[Ver] Shotgun Stories

 

   

Título Original:
"Shotgun Stories" (2007) [USA]

Realização:

Jeff Nichols

Actores:

Michael Shannon  - Son Hayes 
Douglas Ligon  - Boy Hayes 
Barlow Jacobs  - Kid Hayes 
Michael Abbott, Jr.  - Cleaman Hayes 
Travis Smith  - Mark Hayes

Comentário

Uma primeira obra extraordinária, este Shotgun Stories de Jeff Nichols.

Uma história que gira em torno de uma guerra de irmãos filhos do mesmo pai, uma história sobre espiral de violência e os caminhos que esta nos leva a trilhar impiedosamente, uma história sobre desespero humano e perdição, uma alegoria sobre a falência de uma sociedade na sua função agregadora.

Durante cerca de 90 minutos Nichols consegue contar uma fábula de violência sempre num ritmo contemplativo e harmonioso e é esta conjugação de ritmos improvável que torna esta primeira obra tão extraordinária.

Desde o maravilhoso “Badlands” do mestre Malick que não se vislumbrava esta América profunda, bela e bucólica, violenta e intransigente, um olhar verdadeiramente impressivo sobre o white trash americano.

Destaque para a soberba interpretação de Michael Shannon, um actor à parte na sua geração, para a maravilhosa fotografia e para o ritmo perfeito dado á história por Nichols.

A partir de agora muito atenção a este menino.

[4/5] A não perder.

[Rever] O Labirinto do Fauno

 

   

Título Original:
"El Laberinto del Fauno" (2007) [Spain]

Realização:

Guillermo del Toro

Actores:

Ariadna Gil - Carmen
Ivana Baquero - Ofelia
Sergi López - Vidal
Maribel Verdú - Mercedes
Doug Jones - Pan
Alex Angulo - Doctor
Manolo Solo - Garces
Cesar Vea - Serrano
Roger Casamajor - Pedro

Comentário

Filme de adjectivos.

Belo, triste, negro e inocente.
Pensem num mundo perdido e cheio de desespero que foi a Espanha franquista e pintem-no bem de negro, de seguida imaginem uma junção da fantasias, a louca de Alice com a inocente de Pan, pincelem ambas com cores brilhantes sob o negro anterior e aí têem este filme de del Toro. Belo, triste, negro e inocente...

 

[4/5] Belo

Divagação

 

Há-de flutuar uma cidade

há-de flutuar uma cidade no crepúscolo da vida
pensava eu... como seriam felizes as mulheres
à beira mar debruçadas para a luz caiada
remendando o pano das velas espiando o mar
e a longitude do amor embarcado
por vezes
uma gaivota pousava nas águas
outras era o sol que cegava
e um dardo de sangue alastrava pelo linho da noite
os dias lentíssimos... sem ninguém
e nunca me disseram o nome daquele oceano
esperei sentada à porta... dantes escrevia cartas
punha-me a olhar a risca de mar ao fundo da rua
assim envelheci... acreditando que algum homem ao passar
se espantasse com a minha solidão
(anos mais tarde, recordo agora, cresceu-me uma pérola no coração. mas estou só, muito só, não tenho a quem a deixar.)
um dia houve
que nunca mais avistei cidades crepusculares
e os barcos deixaram de fazer escala à minha porta
inclino-me de novo para o pano deste século
recomeço a bordar ou a dormir
tanto faz
sempre tive dúvidas que alguma vez me visite a felicidade

 

texto – al berto

[Ver] A Maratona do Amor

   

Título Original:
"Run, Fat Boy, Run" (2007) [USA / UK]

Realização:

David Schwimmer

Actores:

Simon Pegg  - Dennis 
Thandie Newton  - Libby 
Hank Azaria  - Whit 
Dylan Moran  - Gordon 
Matthew Fenton  - Jake 
Harish Patel  - Mr. Goshdashtidar 

Comentário

A estreia de David Schwimmer na realização cinematográfica , depois de uma prolongada exposição, quer como actor, quer como realizador, na desgastada série americana Friends, era aguardada por muito boa gente.

Ainda para mais quando se soube que contava com a participação como actor e autor do argumento do actor britânico de culto, Simon Pegg.

E o resultado é no entanto uma lástima, e o que mais surpreende é o facto de ser uma lástima acima de tudo no argumento, logo onde parecia termos mais a esperar.

De facto, a idiotice deste argumento de Simon Pegg chega a ser ofensiva, e não estamos a falar da idiotice kitsch do anterior argumento de Pegg para cinema, o interessante “Hot Fuzz”, mais, se compararmos com as coisas que este senhor escreveu em “Spaced” ou “Big Train”, chegamos mesmo a duvidar se este “Run Fat Boy, Run”, terá sido verdadeiramente escrito por Pegg ou se roubou um dos trabalhos caseiros do seu filho mais novo para a escola.

Passando a fase da história ridícula, passemos aos actores, aqui a desgraça continua, Pegg desta vez está num registo irreconhecível procurando agora ser uma caricatura estereotipada de um Hugh Grant com laivos de Jerry Lewis que não resulta de todo,   Hank Azzaria continua a sua saga de papeis irritantes e desprezíveis, mostrando mais uma vez que o seu talento se limita a fazer imitações vocais, o resto do elenco navega sem rumo.

Uma tentativa de fazer um filme a Farrely Brothers totalmente falhada com tudo o que de mau estes meninos costumam apresentar nas suas obras, mas sem nada de bom que estes ainda conseguem colocar nos seus filmes.

Enfim uma tremenda desilusão, e um filme que no final do seu visionamento nos deixa irritados, o problema é que estamos perante uma comédia e isso não é bom.

[1/5] Estupidamente rídiculo

E a Segunda Feira que nunca mais chega …

 

Os bilhetes fervem no bolso e a vontade dispara e o Coliseu aqui tão perto.

E a Segunda Feira que nunca mais chega…

 

 

 Cat Power – Dia 26 Coliseu.

[Admirar] Dead Christ – Andrea Mantegna

Em Milão, na famosa Brera Pinacoteca, somos inundados por uma sensação maravilhosa de contemplação da verdadeira essência humana, o negro e a luz que caracterizam o espírito humano estão aqui tão evidentes e presentes, o deleite lado a lado com a dor.

Uma multiplicidade inesgotável de obras maravilhosamente belas abordando temas na sua maioria tenebrosos e negros, e é essa a nossa verdadeira essência, capazes de criar o belo e de cometer o atroz.

Nesta contemplação uma obra marcou, a visão de um Cristo ortodoxo numa visão mortalmente real e intimidadora. Arrepiante.

 

 

Visto na  Pinacoteca Brera - Milão.

[Rever] Cartas de Iwo Jima

   

Título Original:
"Letters from Iwo Jima" (2006) [USA / Japan]

Realização:

Clint Eastwood

Actores:

Ken Watanabe - General Tadamichi Kuribayashi
Kazunari Ninomiya - Saigo
Tsuyoshi Ihara - Baron Nishi
Ryo Kase - Shimizu
Shidou Nakamura - Lieutenant Ito

Comentário

Eastwood já nos mostrou que de facto é um dos melhores Directors da nossa época, esta segunda viagem á batalha de Iwo Jima (agora do lado sol nascente) é de facto um dos melhores filmes do antigo Dirty Harry.
O tema de Flags e deste Letters, ao contrário do que se poderia pensar, não é a guerra, mas sim o verdadeiro valor do heroísmo

Em Flags estamos perante um heróismo construído pelos media e pela máquina de propaganda do governo americano, no caso de Letters este é construído pela tradição e pela desvalorização do valor da vida humana, mas em ambos os casos o fim é o mesmo, o desperdício de sonhos e de vidas cerceadas por nada.

Tim Buckley num momento de inspiração genial escreveu o seguinte numa das suas mais belas canções:

Is the war across the sea?
Is the war behind the sky?
Have you each and all gone blind:
Is the war inside your mind?
Humans weep at human death
All the talkers lose their breath
Movies paint a chaos tale
Singers see and poets wail
All the world kows the score
But no man can find the war

É isso, a guerra cresce e acontece na mente de cada um de nós e não no mar, no ar ou na terra. Nem em Iwo Jima, nem no Vietnam, nem no Iraque, a guerra somos nós e nós somos a guerra.

No man can find the war.

[5/5] Incontornável

Salvador da Baía - Party Colors

 

[Recordar] Beirut - Nantes

 

Puro génio.

 

New York – Grey City

 

[Ver] Reservation Road - Traídos pelo Destino

   

Título Original:
"Reservation Road" (2007) [USA]

Realização:

Terry George

Actores:

Joaquin Phoenix  - Ethan Learner 
Mark Ruffalo  - Dwight Arno 
Jennifer Connelly  - Grace Learner 
Mira Sorvino  - Ruth Wheldon 
Elle Fanning  - Emma Learner 

Comentário

Terry George já nos habituou a filmes recheados de clichés, foi assim com o medíocre “Hotel Rwanda”, foi assim com o medíocre “In the Name of the Father” (dois dos seus mais conhecidos trabalhos) e é decididamente assim com este medíocre “Reservation Road”.

Chega a ser frustrante a previsibilidade desta abordagem a uma temática já de si direccionada para caça ao Oscar.

Os clichés pululam por este filme de uma forma demasiado abusiva e óbvia, é o “este é um mundo pequeno”, é o “eu quero confessar mas estão sempre a interromper-me”, é ainda o mais que visto “jogo do gato e do rato”, enfim navegamos constantemente no óbvio e no sensaborão, com um conjunto de actores a gritarem uns com os outros.

Os actores estão completamente enquadrados num registo obviamente maniqueísta, Phoenix chega a ser mesmo irritante num desempenho para o ecrã e não para plot, construindo um pai-fantoche totalmente surreal e (in)convincente.

[1/5] Previsivel e clichériano

[Ver] My Sassy Girl

 

   

Título Original:
"Yeopgijeogin geunyeo" (2001) [South Korea]

Realização:

Jae-young Kwak

Actores:

Tae-hyun Cha - The Boy
Gianna Jun - The Girl

Comentário

Este “My Sassy Girl” do coreano Jae-young Kwak é mais uma daquelas situações que nos fazem desesperar, e isto porquê?

Porque infelizmente sentimos que estamos cada vez mais limitados a ver os mesmos filmes com os mesmos actores, dos mesmos realizadores e com as mesmas histórias (adaptações de casos reais, de jogos de computador, de livros, de músicas; remakes, remakes de remakes, sequelas, prequelas), enquanto isso somos cerceados da possibilidade de ver outras cinematografias, outras histórias, outras emoções, valha-nos o mercado DVD e a Internet para ao menos atenuar esta frustração.

De facto, esta comédia romântica é um daqueles filmes que nos fazem terminar a sua visualização com o sentimento de leveza no espirito, uma história recheada de humor, contada por um realizador intuitivo e extremamente talentoso.

Uma história que combina momentos hilariantes com uma subtil mas ao mesmo tempo intrigante história de amor, tudo isto entregue por uma performance brilhante e recheada de charme de dois jovens actores.

Tudo isto não mereceu uma salinha neste nosso pobre país, no entanto, concerteza que a remake americana que aí vem será vista por muita gente.

Depois queixam-se da queda de espectadores, de quem é a culpa?

[4/5] Borboletas

[Ouvir] Rita RedShoes – Dream on Girl

 

Parabéns à Rita que vai actuar este ano no Festival Sudoeste, Dream on Girl :-) .

Para quem diz que em Portugal não se faz boa música abram bem esses ouvidos.

 

 

Rita MySpace http://www.myspace.com/ritaredshoes

[Ouvir] Ray LaMontagne - Crazy

 

Uma grande música vestida por uma voz fantástica.

Ray LaMontagne, a descobrir provavelmente por muito boa gente.

 

[Rever] Broken Flowers

 

   

Título Original:
"Broken Flowers" (2005) [USA]

Realização:

Jim Jarmush

Actores:

Bill Murray - Don Johnston
Jeffrey Wright - Winston
Sharon Stone - Laura
Frances Conroy - Dora
Jessica Lange - Carmen
Tilda Swinton - Penny
Julie Delpy - Sherry

Comentário

Sou pouco conhecedor do cinema de Jim Jarmush. Dos seus trabalhos mais longínquos conheço apenas o desigual “Night on Earth” (1991), considerado o pior dos seus primeiros trabalhos. Dentro dos seus filmes mais recentes, tenho alguma dificuldade com o conceito de “Coffee and Cigarettes” (2003), mas considero interessantíssima a enorme melancolia presente em “Ghost Dog: The Way of the Samurai” (1999). Esta melancolia será o cerne da obra de Jarmush (cada vez mais tenho vontade de descobrir os seus primeiros trabalhos) e isso nota-se muito bem neste “Broken Flowers”.
E quem mais perfeito que Bill Murray para personificar essa melancolia? Sim, Jarmush escreveu o argumento a pensar nele. De facto, até admira só agora trabalharem juntos (à parte de um dos “sketches” de “Coffee and Cigarettes”). Murray, repito, é perfeito. Quero lá saber se começa a ser “typecasted” ou não, ele é perfeito neste papel de uma enorme tristeza, ajustando-se como poucos ao burlesco mais desesperado. Quem o substituiria aqui, ou nos filmes de Sofia Coppola e Wes Anderson, com os mesmos resultados?
Bill Murray é Don Johnston (delicioso nome) e começa o filme a ser abandonado pela presente namorada (Julie Delpy). Também logo no princípio, recebe uma carta anónima de uma das suas antigas namoradas – recorde-se, ele é um Casverdadeiro Don Juan – a dizer que, há muito tempo, ela teve um filho dele. Com muita insistência do seu amigo e vizinho Winston (grande Jeffrey Wright) vai partir para uma viagem pelos Estados Unidos, cujo objectivo é reencontrar as quatro mais fortes possibilidades de ter enviado a carta e, assim, encontrar o seu filho. As quatro mulheres? Sharon Stone, Frances Conroy, Jessica Lange e Tilda Swinton.
Em todos os encontros Murray “investiga” as pistas que o ajudem a descobrir a remetente da carta. Com Stone há um momento excelente envolvendo a filha e, no final, Don mostra a sua vertente irresistível. Com Conroy (mais bela que nunca) descobre a ex-hippie transformada na mulher de meia-idade, casada, casa horrível no subúrbio, em resumo, infeliz. Neste episódio temos o momento mais hilariante de todo o filme – Murray a comer a cenoura do seu prato. Com Lange temos o mais fraco dos episódios, ela uma espécie de “médium” para animais. Por último, com Swinton, temos o mais ambíguo dos episódios que nos junta a Don e à sua confusão interior.
Para além de realçarem a personagem Don Johnston – afinal, o mais importante de todo o filme – esta viagem significa também o preâmbulo por uma América interior cheia de personagens derrotadas e agora sufocadas pelos “décors” onde se inserem. É a faceta de “crooner” do seu país, de Jarmush.
Tudo em “Broken Flowers” é desesperado, mas tudo é trabalhado em surdina, ao melhor nível de Jarmush – parece-me essa a grande dificuldade de muitos com este filme. Essa e o facto de não se perceber que estamos na presença de um crise de meia-idade inultrapassável. Desde o princípio, com aqueles longos e belos planos de Don na sua enorme sala de estar a gritar solidão. Nem seria preciso o final para se chegar a essa conclusão. Mas Jarmush insiste, e nós agradecemos, em oferecer-nos aquele jovem perdido e, sobretudo, aquele carro com um jovem (filho de Murray na vida real) a olhar pela janela. Depois temos aquele “travelling” à volta de Murray que faz o filme acabar exactamente onde começou, e este é o grande elogio que tenho para fazer a Jim Jarmush.

[4/5] Belo

[Ouvir] Age of the Understatement - The Last Shadow Puppets

 

Será sem dúvida nenhuma um dos albuns do ano….Extraordinário.

 

[Admirar] Canoe Lake – Peter Doig

 

Os Ingleses têm a Saatchi Gallery, a Saatchi Gallery tem um dos quadros da minha vida “Canoe Lake” de Peter Doig, enfim existe gente com muita sorte.

O poder desta visão é tremendo e invocativa das noitadas passadas na década de 80 a vibrar com os feitos do menino Vorhee, a calma e lassidão que nos invadem aquando da contemplação desta obra gigantesca é uma experiência única e algo que todos deveriam ter o prazer de desfrutar.

 

 

Visto na  Saatchi Gallery - Londres.

[Ver] Boarding Gate

 

   

Título Original:
"Boarding Gate" (2007) [France / Luxembourg]

Realização:

Olivier Assayas

Actores:

Asia Argento  - Sandra 
Michael Madsen  - Miles Rennberg 
Carl Ng  - Lester Wang 
Kelly Lin  - Sue 
Joana Preiss  - Lisa 
Alex Descas  - Andrew 
Kim Gordon  - Kay

Comentário

O françês Olivier Assayas é mais um daqueles realizadores europeus com um percurso cinematográfico cinzento, recheado de filminhos que não deixam muita marca em quem os vê.

Este Bording Gate é mais um desses filmes, um enredo perdido e confuso, actores completamente à deriva, custa ver a decadência a que a filha do mestre dos Giallos chegou.

Assayas nunca se decide ao longo do percurso narrativo, em determinada altura parece pretender explorar a suposta dimensão marginal de Sandra (Asia Argento) com os seus relatos S&M e o consumo desaustinado de drogas, rapidamente no entanto, salta para a exploração da vertente infantilmente ingénua, a história tanto nos leva para uma explanação erma de ideias do típico B movie, com a desvantagem de Assayas explorar um plot pobre, em enfadonhos 106 minutos quando um típico B se esgotava nos usuais 80 minutos não dando tempo para o desnudar dessas fraquezas; como de seguida estamos a navegar em águas de uma sensaborona intriga internacional.

No meio disto, Olivier Assayas, tem ainda tempo para desbaratar completamente o trabalho inteligente de Madsen.

Um filme chato, chato. Se se apanharem a dormir no vosso lugar depois da cena de sexo, não se preocupem que não serão os únicos.

[2/5]  BORING GATE

[Ouvir] Band of Horses - No One's Gonna Love You

 

Hoje estou muito Band of Horses…

 

Seattle – Sim City

 

A cidade de Cobain, mas também do Fraser.

O paradoxo típico da vida.

 

[Ouvir] Feist – The Limit of your Love

 

Em junho vamos poder rever e voltar a ouvir a doçura da voz desta menina.

Sweet…Sweet.

 

[Ver] Water

 

   

Título Original:
"Water" (2005) [Canada]

Realização:

Deepa Mehta

Actores:

Seema Biswas - Shakuntala
Lisa Ray - Kalyani
John Abraham - Narayan
Sarala - Chuyia
Manorama - Madhumati
Vidula Javalgekar - Patiraji "Auntie"
Raghubir Yadav - Gulabi
Kulbhushan Kharbanda - Sadananda
Vinay Pathak - Rabindra

Comentário

Três gerações, três destinos, três niveis de esperança.
Este "Agua" conta-nos uma história dificil de digerir e ao mesmo tempo impossível de não saborear.

A acção gira em torno de três viuvas, uma menina de 9 anos acabada de entrar numa engrenagem hipócrita de desumanização, uma jovem de vinte e poucos com uma porta entreaberta para a salvação adiada e uma senhora de 50 e muitos ao qual a miséria encapotada de tradição religiosa retirou a possibilidade de viver.

O filme roda em volta destes três seres humanos e leva-nos numa viagem traumática que só pode acabar mal, com a destruição natural e cruel de toda a pureza, amor e fé numa sociedade marcada pela miséria.

A pureza de uma criança arrancada aos pés da necessidade de sobrevivência, o amor inocente de uma jovem fatalmente destruído perante o preconceito social de uma sociedade de vistas curtas, a fé de uma velha atraiçoada perante o realismo miserabilista de um povo que tem de lutar pelo pão que come.

As diferentes tonalidades que percorrem o filme, evoluindo dos cinzas, passando pelos suaves azuis e verdes e terminando com o falso esfusio dos vermelhos e amarelos, enquadram-nos de uma forma harmoniosa com o sentimento que emana da história, começamos pela inocência, percorremos um amor efêmero e estival e terminamos com regresso a uma realidade nua e crua.
O trabalhos dos actores, o trabalho de realização tudo isso é subalternizado ao poder da história e esse é de facto o grande mérito de Deepa Mehta, o de reconhecer a força da própria história e de se deixar conduzir por ela, de se limitar a concretizá-la visualmente no fim de contas de a deixar-se contar. Quanto a voçês, eu acho que não se arrependerão se se derem ao trabalho de a ouvir

[4/5] Uma história poderosa